Un Re Lear brillante è al centro di una produzione che fatica a dare alle sue figlie la giusta profondità drammatica. David Threlfall offre un ritratto avvincente del monarca invecchiato di Shakespeare in questa produzione elegante ma altalenante al Royal Exchange. Uno studio sulla vanità, la vulnerabilità e l’autorità che si sgretola, la sua interpretazione conferisce al dramma una sostanza emotiva. Eppure, mentre Re Lear di Threlfall brucia intensamente, la messinscena fatica a rendere altrettanto persuasivi i tre racconti femminili al centro del suo catastrofico dramma familiare.
La decisione di Lear di spartire il regno secondo dichiarazioni di amore genera una catena devastante di tradimenti, crudeltà e follia. Threlfall coglie lo sfoggio imperioso del re e il bisogno petulante di affermazione, esponendo l’insicurezza che si cela sotto la pompa reale. Man mano che la sua presa sul potere si dissolve, vacilla anche la sua certezza sul mondo e sul suo ruolo al suo interno. C’è un pathos genuino nel suo declino, con lampi di smarrimento e tenerezza che attraversano la rabbia. Questa è una performance che comprende che la tragedia di Lear non è semplicemente perdere il regno, ma perdere anche la propria mente e scoprire troppo tardi cosa significhi davvero l’amore.
Vi è una sottigliezza gradevole nel modo in cui la discesa nella follia viene affrontata, e ora risuona per molti che hanno visto le proprie famiglie spezzate e traumatizzate dall’impatto della demenza su un genitore. Threlfall incanala questo registro, fondendo humour delicato e momenti di crudeltà tagliente in tutte le sue relazioni. Il regista Matthew Dunster ha optato per non avere Il Buffone sul palcoscenico, ma per usarlo come monologo interiore di Lear. Funziona a tratti, ma priva il pubblico di un personaggio shakespeariano vitale e molto amato.
Sfortunatamente, questa produzione non conferisce alle donne che orbitano intorno a Lear una profondità e una sostanza reali. Goneril (qui interpretata da Nadine Shah, che funge anche da compositrice per lo spettacolo), Regan (Lisa Diveney) e Cordelia (Isobel Akuwudike) sono fondamentali per l’architettura emotiva e politica della pièce, eppure qui le loro caratterizzazioni risultano frustrantemente poco sviluppate. Le sorelle sembrano mancare della complessità individuale e della tessitura psicologica necessarie a far risuonare pienamente le loro azioni. La ferocia feroce di Goneril e Regan dovrebbe gelare, non limitarsi a costituire un contropunto comodo rispetto alla sofferenza del padre.
È incredibilmente poco plausibile che Regan passi dall’implorare il padre di moderare i suoi ministri a una brutalità sadica quasi inconcepibile: cavargli gli occhi a Gloucester con il tacco a spillo lucido del loro Manolo Blahnik. Allo stesso modo, l’onestà di Cordelia dovrebbe portare una forza morale che renda il rifiuto di Lear straziante e significativo. Invece, le figlie sembrano troppo spesso strumenti sessualizzati non necessari della trama piuttosto che persone pienamente realizzate, lasciando un vuoto emotivo significativo al centro della produzione.
È la famiglia Gloucester a fornire un contrappeso più soddisfacente. Le interpretazioni di questa fazione frammentata e lacerata sono costantemente solide, portando convinzione e umanità in un altro racconto di cecità genitoriale, fiducia mal riposta e tradimento devastante. I parallelismi tra il destino di Gloucester e quello di Lear sono tra i più potenti espedienti drammatici di Shakespeare, e qui l’angoscia della famiglia offre alcuni dei momenti più toccanti della produzione.
Jonathan Slinger conferisce a Gloucester una nobiltà naturale e una profonda intensità emotiva come genitore che ha commesso gravi errori e cerca perdono. Paddy Stafford è eccellente nel ruolo di Edmund, ambizioso e duplice inganno. Tom Varey brilla nei panni di Edgar, il buon figlio che sostiene pazientemente il padre malato. È particolarmente commovente nelle scene di Poor Tom, dove la sua vulnerabilità tremolante evoca una sincera compassione per Lear. Jason Done nel ruolo di Kent si dimostra altresì una presenza ferma, la sua lealtà verso Lear offre un saldo ancoraggio morale in mezzo al caos che cresce.
Il design scenico di Anna Fleischle è fortemente stilizzato, con colonne scintillanti di catene pensate per intrappolare o escludere. Sono belle da vedere e sono utilizzate con un effetto sorprendente quando Lear è intrappolato in un diluvio sotto la tempesta. Tuttavia, a volte ostacolano la visuale o sembrano costringere i personaggi in disposizioni che oscurano momenti chiave. Mi sembra strano che, in una stagione di ritorno a casa, un regista che dovrebbe conoscere così bene questo amato teatro rotondo non sia riuscito a percepire questi problemi.
Questa grande tragedia di Shakespeare richiede qualcosa di più di un re magnifico: serve una famiglia le cui fratture appaiono dolorosamente umane. Il raffinato design Kintsugi sul pavimento di scena è pensato per riflettere l’arte di riparare le cose rotte in modo da renderle più forti e più belle; è dunque incredibilmente ironico che qui la distruzione sismica lasci interamente decimata una intera famiglia. Threlfall offre al monarca tutta la sua terribile, straziante grandezza, ma questa è una produzione che promette molto e non riesce mai a eguagliare la sua statura.
