Inedito 2026: novità dalle Filippine e dalla serra

Inéditos è, insieme a Generaciones, uno dei bandi senior di La Casa Encendida concepiti per sostenere i giovani professionisti dell’arte, in questo caso curatori residenti in Spagna e di età inferiore ai 35 anni. I selezionati espongono progetti recentemente realizzati nelle loro stanze.

Questa iniziativa è giunta alla ventitreesima edizione, ormai semestrale, e La Casa festeggerà il suo quarantaquattresimo anno di attività nel 2028; Per allora il suo direttore, Pablo Berasategui, ha annunciato un ciclo di mostre speciali legate a questa chiamata. Nel frattempo, gli ultimi vincitori, Raquel Algaba e Álvaro Talavera, entrambi nati nel 1992, espongono le loro proposte a La Casa dopo essere stati selezionati da una giuria formata da Violeta Janeiro, Direlia Lazo e Pablo Martínez. Algaba è partita dall’osservazione della natura in chiave critica rispetto alla crisi climatica, mentre Talavera propone una revisione dell’eredità spagnola nelle Filippine e una lettura del panorama creativo contemporaneo di quell’area.

La prima rassegna si intitola “E divento un fiume, la cui lingua bruna non avrà riposo” e accoglie fin da subito lo spettatore in un ecosistema visivo peculiare. Considerando il nostro rapporto mediato con la natura, nella mostra, nella sala C, convivono piante e dispositivi tecnici che richiedono una comprensione del mondo non antropocentrica, ma fondata sulle relazioni tra tutti gli esseri viventi e tra questi e la tecnologia.

Algaba ha coinvolto quattro artiste, a cominciare dalla danese Cecilia Fiona, che a Madrid propone lavori rappresentativi di tutte le sue pratiche—pittura, scultura e performance—oltre al suo interesse per campi quali microbiologia, fisica quantistica, alchimia e la letteratura di Ursula K. Le Guin. Fiona immagina universi nati dalla speculazione in cui umano, naturale e cosmico si fondono in un flusso continuo e fluido.

Se nel suo dipinto di grande formato la Sala mostra forme biomorfiche ricche e complesse, nelle sue sculture utilizza materiali organici quali rami, conchiglie, carta pesta, pelle di coniglio e pigmenti naturali. L’ibridazione è la cifra della sua produzione, quasi una messa in discussione dell’individualismo contemporaneo.

Leticia Martínez Pérez, da parte sua, prosegue nell’esplorazione di un’ibridazione tra kitsch e nobiltà, tra realtà e fantasia; affronta anche questioni di genere e di mostruosità. Espone un’installazione tessile presentata come un disegno all’interno dello spazio, capace di evocare contemporaneamente un corpo, un fiore o un insetto.

Per l’autrice di Saragozza l’arte è una festa e un palcoscenico: un terreno fecondo dove sovvertire etichette precostituite e discutere lo statuto stesso della creazione.

La scultura centrale di questa mostra‑vivaio è opera di Leonor Serrano Rivas ed è viva proprio perché perde gocce. L’artista madrilena, impegnata soprattutto nello studio di metodi di produzione e di percezione che permettano al pubblico di vivere esperienze aperte all’intuizione, concepisce installazioni capaci di trasformarsi nel tempo e, a loro volta, di generare scenografie.

La sua opera a La Casa, di grandi dimensioni, richiama un albero maestoso o una fontana ispirata al cosiddetto pianto delle ragazze; nel linguaggio argentino, tale narratività descrive la goccia costante che scende da alcuni alberi, non dovuta a pioggia o condensa, bensì alle secrezioni provocate dagli insetti durante l’estrazione della linfa. Ecco la tecnologia che mineralizza la materia vegetale attraverso l’elettroformazione.

E divento un fiume, la cui lingua bruna non avrà pace. La Camera accesa

Lola Zoido, infine, ha orientato la sua ricerca sulle possibili intersezioni tra fisico e virtuale e sulla nostra percezione in un’epoca dominata dalle tecnologie digitali: materialità e presenza non sono più quelle di un tempo. Nelle opere presenti in questa mostra mostra la sua attenzione all’imperfezione e al glitch: presenta pezzi delle serie Esuvia, sculture nate dalla mutazione e da forme casuali o eteree che i dispositivi digitali riversano quando la loro memoria si esaurisce. Ciò che osserviamo appare determinato dal funzionamento dei database, dei sistemi di acquisizione e di traduzione. Algaba si interroga, in un testo del catalogo, se i nostri occhi, avendo visto tanto, non diventino incapaci di vedere davvero.

Quanto ad Álvaro Talavera, che ha trascorso due anni nelle Filippine grazie a una borsa di studio e poi è rientrato in autonomia, in qualità di curatore, ci propone “Kumusta na kayo?” (in spagnolo, come stai adesso?), una selezione di opere di cinque artisti e collettivi filippini—fotografie, video, installazioni—che affrontano passato e presente dell’arcipelago in relazione al retaggio spagnolo, alla vita comunitaria e allo sviluppo della loro identità.

Fin dall’intestazione, l’esposizione stabilisce un dialogo in cui lo spettatore è invitato all’ascolto, alternando spezzoni che privilegiano una dimensione più intima e territoriale.

Osserveremo la ricostruzione della mappa delle isole, realizzata da Leslie de Chavez e dalla comunità con cui ha lavorato, tenendo conto di memoria e identità; un’installazione video e fotografie di Kiri Dalena e Ben Brix che mettono a confronto passato e presente delle Filippine; un archivio di Manila in costante trasformazione di MM Yu, le cui immagini non fissano significati ma ne fanno parte; le inchieste, sotto forma di cabina, di Kristoff P. sugli alloggi tradizionali e precari di quel Paese; e una piattaforma di net art filippina concepita come karaoke infinito, opera di Chia Amisola.

In breve, Talavera propone uno sguardo sulle Filippine dall’interno; non una mostra sulle Filippine, ma proveniente da lì.