Come tutte le grandi opere teatrali, esistono molteplici modi di mettere in scena The Cherry Orchard. L’ultima volta che ho visto Chekhov dipinto in modo rueful/comico una famiglia privilegiata sull’orlo della rovina, era una produzione al Yard, ambientata su un’astronave fatiscente con l’affidabile domestico geriatrico Firs trasformato in un robot in via di spegnimento. C’è stata di recente una versione in abiti moderni e stellari al RSC, mentre la Park Avenue Armory di New York ha appena ospitato la versione in coreano di Simon Stone, trasferita in una Seoul contemporanea, aziendale e disumanizzata. Il ritorno di Ian Rickson nel West End, in una nuova adattazione di Conor McPherson che non lesina né poesia né crudità, punta alla chiarezza e alla comicità ma si rivela più sovversivo di quanto sembri inizialmente.
Per la prima metà, il set sfarzosamente trasandato di Chloe Lamford, con una scala visibile che conduce agli altri piani della casa che sta per essere venduta, una installazione d’angolo di icone religiose e candele, sembra piuttosto tradizionale a parte la coppia di porte adiacenti che richiamano la farsa classica piuttosto che la tragicommedia.
Dopo l’intervallo, la parete di fondo si apre rivelando una tappezzeria in stile anni ’70, luci a faretti e una vecchia biliarda malconcia; è una metafora visiva utile del nuovo mondo che si insinua nel vecchio. I costumi di Sussie Juhlin-Wallén evocano vividamente l’Unione Sovietica di fine XX secolo, con richiami all’abbigliamento tradizionale dei contadini russi per lo staff domestico.
Kristin Scott Thomas supera la sua acclamata Arkadina in The Seagull per lo stesso regista al Royal Court e poi a Broadway nel 2007/08, nel ruolo di una Ranevskaya avvincente, sebbene non necessariamente quella che avremmo potuto aspettarci. Inizialmente Lopakhin di Stephen Mangan la ricorda come una regina quando descrive quanto fosse gentile con lui da ragazzi, quando lui era ancora un servo povero. Poi, al suo ritorno nell’estate russa dopo anni a Parigi, qualsiasi regalità è una facciata; è nel suo portamento e nel sorriso bonario ma vuoto che rivolge a tutti, anche quando trattiene le lacrime, ma c’è una fragilità traballante che intriga.
Questa Ranevskaya è una donna profondamente danneggiata, ancora chiaramente traumatizzata dalla perdita di un figlio, fisicamente quasi implorante con chiunque incontri, e in costante stato di lotta o fuga tranne quando si autogestisce con l’alcool credendo che nessuno la stia osservando. La sua vita parigina non è affatto facile, secondo la figlia Anya (Anastasia Martin, vigile e coinvolgente), e lei oscilla ripetutamente tra essere imperiosa e bisognosa. La tristezza è palpabile.
Mangan is equally memorable as Lopakhin. First discovered attempting to read the Bible before drifting into blissful, lengthy sleep (Bruno Poet’s unusually expressive lighting does a wonderful job of changing mood and time of day throughout), he’s awkward, chummy but with a brutal edge, the humiliations of childhood poverty near the surface despite his adult wealth. He’s also uncommonly funny. So is Peter Wight, superb as Ranevskaya’s boorish brother Gaev.
Non c’è una nota falsa in nessuna delle interpretazioni di supporto. Varya, spezzata dal dolore ma pratica, interpretata da Vinette Robinson; Petya, sensibile, interpretato da Jack Riddiford; Sharlotta, governante misteriosa e capace di creare magie, interpretata da Ruby Bentall; Noof Ousellam nel ruolo di un domestico arrogante e insolente; Yepikhodov, l’impiegato timido ma disarmante di Shubham Saraf; tutti colpiscono con verità e forza rara. Megan Cusack è una delizia nel ruolo della domestica Dunyasha, ambiziosa ma molto tesa. Crucialmente, tutti abitano lo stesso mondo inquieto di sconvolgimenti sociali.
Gli attori veterani si distinguono particolarmente: Karl Johnson è glorioso e molto toccante nel ruolo dell’anziano fedele Firs, incapace di rendersi conto che Gaev e Ranevskaya non sono più i bambini che lui una volta accudiva, diventando aggressivo quando la sua posizione è messa in discussione. L’interpretazione di Jeff Rawle, un proprietario terriero avido di denaro che, con aria serena, proclama “Ho avuto due ictus” mentre sorseggia il vino, è un’altra caratterizzazione riccamente delineata.
La regia di Rickson è magistrale, viva su ogni sfumatura, abbracciando con sicurezza le dualità presenti nel testo di Chekhov: queste persone sono profondamente infelici ma incredibilmente divertenti, e la sensazione di vite destinate a cambiare per sempre si percepisce fortemente.
La sceneggiatura di McPherson è tagliente e intelligente e, cosa più lodata, non suona mai come una traduzione. Non tutto l’aggiornamento funziona, ma è una piccola obiezione su una produzione emotivamente intelligente che rende un classico vivo e accessibile, pur soddisfacendo i più esigenti estimatori di Chekhov, e vantando uno dei migliori cast di ensemble presenti su un palcoscenico londinese odierno.
