Il patrimonio fotografico di José Luis Soler Vila e le sue esposizioni
Il patrimonio di immagini di José Luis Soler Vila, che ha fondato la Fundació per Amor a l’Arts e il Centro di Gens Gens di Pumpas, recentemente scomparso, ha già arricchito due esposizioni al Museo Carmen Thyssen di Malaga. La prima è dedicata alle immagini di nudi e piante di Imogen Cunningham, e la seconda si concentra sulla fotografia giapponese sviluppata tra gli anni Venti e gli anni Sessanta.
La terza mostra: un viaggio attraverso la fotografia documentaria americana
La prossima esposizione, prevista per aprire al pubblico, approfondirà il mondo della fotografia documentaria statunitense e amplierà il suo arco temporale, ospitando circa cinquanta opere datate tra gli anni Trenta e Ottanta. Tra gli artisti presenti troveremo lavori di Cunningham stesso, Harry Callahan, Walker Evans, Louis Faurer, Robert Frank, Lee Friedlander, Anthony Hernández, Helen Levitt, Susan Meiselas, Tod Papageorge e Garry Winogrand.
Il significato e il valore della fotografia sociale
Tutti questi artisti hanno realizzato immagini con uno scopo dichiarato di documentare il percorso della loro vita, anche se hanno scelto di esplorare alcuni aspetti delle loro scoperte sul campo: l’infanzia, i cambiamenti sociali, le denunce di ingiustizie. Hanno tentato di offrire uno sguardo diretto sui problemi sociali, affinché il peso delle loro immagini potesse avere un impatto reale sull’osservatore, senza bisogno di cornici artistiche elaborate o estetismi appariscenti. Tuttavia, in alcuni momenti della loro carriera, questi autori non hanno nascosto il desiderio di cercare anche la bellezza formale nelle loro fotografie.
I pionieri della fotografia americana
Il viaggio espositivo inizia con i pionieri del mezzo, come Walker Evans, Robert Frank e Louis Faurer. Evans, dopo aver sperimentato visioni urbane astratte alla fine degli anni Venti, si dedicò a studiare come rappresentare le realtà sociali e culturali attraverso l’obiettivo.
Nel 1935, la Farm Security Administration, un’agenzia governativa statunitense, lo assunse per documentare visivamente la situazione degli agricoltori durante la Grande Depressione. Il risultato di questo lavoro fu il fotolibro Let us praise famous men (1941), con testi di James Agee, che rappresenta un esempio significativo di fotografia sociale e umanitaria.
Frank e Faurer: il potere della psicologia e dell’intimità
Per quanto riguarda Frank e Faurer, entrambi hanno condiviso un interesse per la psicologia dei soggetti fotografati (sebbene sia insolito chiamarli “modelli”). Entrambi, inoltre, hanno concentrato il loro lavoro sulla vulnerabilità dell’individuo isolato nella folla, senza rinunciare alla cura per l’estetica e la composizione delle immagini.
Frank, inizialmente influenzato dal suo mentore Evans, si allontanò successivamente da lui per esplorare tematiche che, negli anni Cinquanta, non erano considerate di grande interesse tra i fotografi, anche se più tardi si sarebbero rivelate fondamentali per lo studio della vita quotidiana americana: solitudine, silenzio, consumismo, razzismo, alienazione urbana e sentimenti amorosi. Nelle sue opere, come in Gli americani, egli si cimentò con temi e paradossi della società postbellica. La sua traiettoria lo portò anche a cimentarsi con il cinema.
Louis Faurer, attratto dall’agitazione più tangibile, come quella che si scatenò intorno a Times Square dopo la Seconda guerra mondiale, si trasferì a New York nel 1947. La sua fotografia non seguiva preparazioni o pose studiate; al contrario, catturava senza misericordia i momenti di vita reale, così come apparivano alla spontaneità del momento.
Fotografia come mezzo di denuncia sociale
Quegli anni videro la nascita di realtà come le leghe fotografiche americane, composte da fotografi e cineasti che vedevano nel mezzo fotografico uno strumento di denuncia sociale, onesto e diretto. Il loro obiettivo era concentrarsi sulle classi popolari, sia urbane che rurali. In questo contesto, iniziò anche a lavorare Helen Levitt, che frequentava i quartieri popolari di New York, catturando momenti di vita quotidiana, di aspetto banale, che diventarono metafore di un tempo e di un luogo. Le sue fotografie spesso rivelavano movimenti sospesi, scene spontanee ed espressive, riprese da una prospettiva umanistica.
L’americano medio, catturato in immagini fugaci, aveva una grande importanza anche nella produzione di Callahan. Quest’ultimo, iniziando sotto l’influenza di Ansel Adams e presto riconosciuto da Moholy-Nagy, sperimentò con costanza, cercando di offrire nuove visioni del reale. Le sue spiegazioni erano sintetiche ed eleganti: Il problema è ciò che conta. Voglio mostrare il problema in modo nuovo, per amplificarlo. Una fotografia può catturare un momento (ed è qui il punto centrale) che le persone non sempre riescono a percepire.
Garry Winogrand e l’identità della società americana
Con un’apparente semplicità ma grande capacità espressiva, Garry Winogrand ha raggiunto livelli di eccellenza fotografica. La sua è l’immagine iconica di Marilyn Monroe, protagonista di La tentazione è in aumento, che dà il titolo alla mostra. Quando osservava la società americana della seconda metà del XX secolo, riusciva a trasmettere gioia, disincanto, movimento e dubbio, anche nei periodi più difficili della Guerra Fredda.
Una fotografia soggettiva e l’esplorazione dei dettagli quotidiani
Negli anni Sessanta si assiste a un approccio più soggettivo, rappresentato in gran parte dal lavoro di Lee Friedlander. Egli definiva la sua ricerca come un’analisi del “paesaggio sociale americano”, andando oltre alla semplice documentazione. Più che a problemi collettivi, il suo interesse si concentrava su interni, natura, volti o vetrine, cercando di conoscere meglio se stesso e il suo tempo, senza la presunzione di sorprendere ma di rivelare.
Durante questo periodo, si svilupparono vari stili, uniti dall’interesse comune per il cosiddetto “ritratto di strada spontaneo”. Tra questi, Imogen Cunningham, fautrice di fotografie chiare e nitide con grande profondità di campo, e Tod Papageorge (nato nel 1940), che offrì una visione suggestiva del colore e dell’atmosfera di New York negli anni Cinquanta e Sessanta.
Le opere di Susan Meiselas e l’impegno sociale
Già negli anni Settanta, la giovane fotografa Susan Meiselas intraprese un progetto ambizioso e controverso che durò cinque estati: si chiamava Carnival Stripper e divenne un punto di riferimento visivo per i diritti delle donne. Le sue istantanee, scattate con una fotocamera Leica senza flash o treppiede, cercavano di penetrare la prospettiva di quegli spogliarellisti, pur mantenendo una presenza costante del pubblico maschile.
Un altro episodio significativo è rappresentato dalla serie Drive Rodeo (1984) di Anthony Hernández, che mostra le vittorie e le sconfitte di protagonisti e spettatori di un rodeo in Beverly Hills. Le immagini sono state esagerate per accentuare i colori e veicolare un nuovo messaggio di critica sociale, evidenziando le disuguaglianze razziali e di classe. A partire dagli anni Ottanta, l’esposizione raccoglie anche opere di altri veterani come Harry Callahan, che utilizzava la tecnica della “mostra multipla”, impiegata già negli anni Quaranta.
I percorsi principali della fotografia documentaria americana
Esistono due principali filoni che permettono di tracciare l’evoluzione di questo stile nel corso di mezzo secolo: l’affermazione della cultura popolare americana e lo sviluppo della fotografia documentaristica, avvenuto principalmente attraverso le riviste specializzate. La stampa fu fondamentale per favorire la diffusione di serie fotografiche ordinate e collegate tra loro, che raccontavano storie, analizzavano le strade, esploravano aspetti psicologici e sociali, denunciano ingiustizie, ironizzano o narrano vicende.
“American People. American Documentary Photography (1930-1980)”
Museo Carmen Thyssen
C/ Company, 10
Malaga
Dal 16 luglio al 13 ottobre 2025
