Pioniere nell’uso di strumenti e supporti tecnologici al servizio della creatività fin dalle fasi iniziali della sua carriera, Marisa González, insignita nel 2023 del Premio Velázquez, propone finalmente nei Paesi Baschi una mostra antologica ospitata da Azkuna Zentroa. L’esposizione mette in luce le sue continue esplorazioni attraverso fotocopiatrici, video, fotografia e computer, raccogliendo cinquant’anni di ricerca ed elaborazione curate da Violeta Janeiro.
La retrospettiva, già presentata al Museo Reina Sofía, prende il titolo di “Un modo generativo di fare” perché l’allestimento enfatizza come l’autrice di Bilbao abbia bruciato i tempi di questa tecnologia fin dai primi utilizzi: strumentazione come termofax, fotocopiatrici a colori e altre macchine allora considerate all’avanguardia, insieme a lastre spesso realizzate in casa, non per produrre semplici copie o repliche di immagini preesistenti, ma per darne una luce nuova, coltivando costantemente un metodo aperto al caso, al tentativo-errore, alla scoperta anche tra le rovine e nell’immediatezza.
Sono circa una ventina le serie e i progetti che Azkuna Zentroa prende in considerazione, offrendo una cornice che ci racconta le difficoltà affrontate da autori come González nel navigare tra collezionismo istituzionale e privato: la maggior parte dei pezzi proviene dal suo studio — ha confidato di non gettare via nulla — e, in alcuni casi, dalle collezioni di famiglia o museali. Questo artista multiplo è sempre stato parte attiva dell’ecosistema artistico, ma fino a tempi recenti aveva ricoperto una posizione di minor rilievo. Sempre in dialogo con la collaborazione: impegnata fin dagli anni della dittatura, e in seguito nelle battaglie del femminismo e dei lavoratori con meno diritti, a partire dagli anni Settanta è stata attiva in molte associazioni, tra cui l’Associazione Professionale degli Artisti di Madrid o le Donne nelle Arti Visive.
Il percorso di questa mostra inizia riscoprendo la sua attenzione precoce verso materiali e percorsi lontani da quelli che avevano influenzato gli studi di Belle Arti, nonché i sottoprodotti derivanti dall’impiego delle varie tecnologie: dalle carte termosensibili alle prove di stampa, al residuo colorato di un filtro essiccatore. Autoritratti e silhouette erano già tra i suoi temi ricorrenti; quest’ultimo simbolizza una presenza che appartiene a tutti, anche a chi resta nell’ombra e agli emarginati.
Un soggiorno negli Stati Uniti si rivelerà decisivo per la carriera di Marisa González: all’Art Institute di Chicago ottiene un master intitolato Sistemi generativi: arte, scienza e tecnologia, dove incontra la professoressa Sonia Sheridan, con la quale instaurerà una collaborazione duratura. Da quel momento approfondirà l’elaborazione delle immagini in diverse occasioni, per raggiungere differenti effetti visivi, trame e tonalità, cioè possibilità potenzialmente infinite di variazioni, sovrapposizioni e frammenti.
La prima fotocopiatrice a colori, all’epoca considerata una vera rarità, fu una 3M Colore a colori, e il suo impiego permise all’autrice di esaminare le numerose possibilità di distorsione e di anomalia che andavano ben oltre i confini puramente creativi, insinuando echi anche al di fuori dei contesti di rigore estetico. I suoi archivi stessi tendono a privilegiare questa distorsione, piuttosto che una classificazione rigida: si nutrono di materiali di recupero e di scarti riciclati; oggetti apparentemente inutili ai quali González attribuisce significati alternativi, dall’ovatta alle membra delle bambole.
Dopo la formazione a Chicago, González fa ritorno brevemente in Spagna per poi tornare negli Stati Uniti: alla Corcoran School di Washington, insieme a Mary Beth Edelson, approfondisce, anche sul piano artistico, i campi del femminismo. Da quel periodo nascono lavori come Maternità, realizzato durante la gravidanza e alludente alle implicazioni religiose, legali e sanitarie connesse a tale condizione; Il download, che cattura i gesti dei colleghi artisti dopo aver appreso delle torture inflitte alle donne detenute durante la dittatura di Pinochet; oppure Lizz Williams e le sue maschere, che interroga l’identità razziale o l’assenza di un compagno di studi mulatto.
Successivamente arriva un’altra fotocopiatrice destinata a modificare profondamente il suo lavoro: la Color Bubble Jet 145, che le consente di utilizzare un formato di carta più ampio, simile al DIN A4. González rivede con questo strumento i materiali preesistenti, come quelli della serie Vertigini d’identità, dedicate alle fasi vitali delle donne, oppure Lo stupro, una denuncia dell’oggettificazione femminile incentrata su una bambola ritrovata per caso. Il suo archivio diventa per lei una fonte di reinterpretazione.
Con il ritorno della pittura a una nuova vitalità, verso la fine degli anni Settanta e l’inizio degli anni Ottanta, González si immerge in questo campo, intrecciandolo con i suoi interessi musicali (aveva studiato pianoforte al conservatorio di Bilbao). Integra fotocopie di partiture elaborate nelle tradizionali tecniche di quel mezzo, in serie come grafica musicale realizzata con la collaborazione di Llorenç Barber e Javier Darias; in queste opere il ritmo e la cadenza emergono dal movimento della carta e dalle sfumature della luce.
Se i pentagrammi fossero il punto di partenza di quei progetti, i pelucchi dell’asciugatrice, affascinati dai toni colorati e dalla leggerezza, divengono l’origine della serie Presenze, in cui anche la luce ha molto da dire. All’epoca queste opere comparvero nella galleria Evelyn Botella.
Osserveremo anche una raccolta di lavori, alcuni ancora in corso, in cui González ha esplorato i legami tra l’unico e il molteplice e tra ciò che è vivente e ciò che è inerte. Uno degli strumenti fondamentali a questo scopo è stato il sistema informatico Lumena, e persino i residui della sua obsolescenza hanno trovato una funzione. In OGM oltre a richiamare le conseguenze etiche e sanitarie di questi prodotti, l’autrice mette a confronto artificiosità e desiderio; nei ritratti Lumena ha esercitato una distorsione complessa sui suoi modelli, colleghi legati al mondo artistico come Soledad Lorenzo, Lola Dopico, Pedro Garhel o Menene Gras, tra molti altri.
L’installazione si è poi affidata anche ad Azkuna Zentroa con l’opera Stazione fax, realizzata insieme agli studenti dei Laboratori d’Arte Corrente — chiunque può contribuire ai contenuti —; le immagini dedicate alla vita comunitaria delle lavoratrici domestiche filippine altamente specializzate di Hong Kong; e i progetti della González si sono focalizzati su due vecchie infrastrutture basche ormai prive di vita utile: la centrale nucleare di Lemóniz (che ha aperto la strada a un lungo intreccio di artisti attivi attorno alle strutture vuote) e la panetteria di Bilbao, che contava oltre mille dipendenti fino alla chiusura verso la fine degli anni Novanta.
Nell’installazione dedicata a quest’ultimo, lampade originali del luogo illuminano le comunicazioni di chi per primo guidò l’azienda, attribuendo i cali di produttività alle ferie annuali. L’allestimento di questa proposta a Bilbao amplia la mostra al Reina Sofía, approfondendo l’impatto del declino dell’architettura industriale del secolo passato, derivato dall’impossibilità di adeguare le sue caratteristiche monumentali alle nuove esigenze del mercato, distanti dalla meccanizzazione originaria di quel complesso. Potremo ammirare fotografie e materiale audiovisivo legati alla documentazione della distruzione della Farina da forno.
Marisa Gonzalez. “Un modo generativo di fare le cose”
AZKUNA ZENTROA
Piazza Arriquíbar, 4
Bilbao
Dal 29 ottobre 2025 al 18 gennaio 2026
